مقیاس در موسیقی چیست؟

مقیاس در موسیقی چیست؟

موسیقی از سه عنصر ملودی، هارمونی و ریتم تشکیل شده است. همه موسیقی ‌ها دارای ریتم هستند، چه آن هایی باشند که با طبل نواخته می شوند و چه آهن گهایی که برای گروه آواز و سرود باخ ساخته می شوند. آموزش آواز سنتی در غرب تهران ملودی و هارمونی اجزاء ضروری در آهنگ سازی نیستند، اما اکثریت قریب به اتفاق موسیقی ها از این دو عنصر برخوردارند. در موسیقی غربی، ملودی و هارمونی از 12 نواک (Pitch) مجزا مشتق می ‌شوند و می ‌توان آن ‌ها را در یک سری گام کنار هم قرار داد.

گام یا مقیاس چیست؟

مقیاس (Scale)، دنباله ‌ای از نت‌ ها است که از 12 نواک یا نت موجود انتخاب می ‌شوند. (بعضی از موسیقی های قدیمی، به‌ ویژه موسیقی آسیای جنوبی، میکروتونالیته ‌هایی دارد که تعداد نواک های موجود را بیشتر می کند.)

هیچ قاعده ای وجود ندارد که بگوید یک مقیاس باید چند نت داشته باشد. رایج‌ ترین مقیاس‌ ها در موسیقی غربی هفت نواک دارند، به همین دلیل “هپتاتونیک” (که به معنای هفت تون است) نامیده می ‌شوند. مقیاس ‌های دیگر نت ‌های کم تری دارند ؛ به طور مثال مقیاس‌ های پنج نتی یا “پنتاتونیک” که در موسیقی پاپ بسیار رایج هستند. حتی مقیاسی وجود دارد که از تمام 12 نت استفاده می کند که به آن مقیاس “کروماتیک” می گویند.

آیا میخواهید خوانندگی را از ابتدا بیاموزید؟ آیا میخواهید به یادگیری مهارت‌ های جدید در زمینه خوانندگی بپردازید؟ آیا به یادگیری تکنیک های پیشرفته صداسازی احتیاج دارید؟ آیا به دنبال آموزش سلفژ برای خوانندگی هستید؟
دانلود پکیج آموزش خوانندگی را به شما پیشنهاد میکنیم!
 
مقیاس های ماژور در مقایسه با مینور

با این که موسیقی غربی دارای طیف وسیعی از مقیاس یا گام‌ هاست، اما باز هم برخی از آن ها بیشتر از بقیه استفاده می ‌شوند. عنصر سازنده موسیقی غربی، گام ماژور است که از هفت نت تشکیل شده اند. از پایین ترین نت شروع شده و به سمت بالا می رود:

1-نت ریشه

2- یک پرده کامل بالاتر از ریشه

3- یک پرده کامل بالاتر از نت دوم

4- نیم پرده بالاتر از نت سوم

5- یک پرده کامل بالاتر از نت چهارم

6- یک پرده کامل بالاتر از نت پنجم

7- یک پرده کامل بالاتر از ششم

سپس، با یک نیم پرده دیگر، که به “ریشه” برمی گردید. فقط حالا یک اکتاو بالاتر از قبل است.

نکته کلیدی در درجه (Degree) سوم گام ماژور است. این همان نتی است که به این گام به جای صدای دلهره آور و غمناک، حالت “شاد و نشاط آور” می دهد. آموزش آواز آنلاین نکته کلیدی دیگر درجه هفتم است که گاهی اوقات به آن نت پیشران یا Leading tone می گویند؛ چرا که شما را مستقیما به ریشه گام هدایت می کند.

مقیاس مینور چیست؟

دومین عنصر بنیادی موسیقی غربی، مقیاس مینور است که اکثر مردم آن را اضظراب آورتر و غمگین ‌تر (حتی گاهی اوقات ترسناک ‌تر) از مقیاس ماژور می‌ دانند. در واقع سه مقیاس مینور وجود دارد؛ مینور طبیعی، مینور هارمونیک و مینور ملودیک. اما این مقیاس مینور طبیعی است که به گوش شنوندگان موسیقی غربی آشناتر به نظر می رسد. این گام شبیه به مقیاس ماژور است، اما با چند نیم پرده که قبلا کامل بوده اند.

1-نت ریشه

2- یک پرده کامل بالاتر از ریشه

B – 3 نیم پرده بالاتر از نت دوم

4- نیم پرده بالاتر از نت سوم

5- یک پرده کامل بالاتر از نت چهارم

6- b نیم پرده بالاتر از نت پنجم

7- b یک پرده کامل بالاتر از ششم

و سپس یک پرده کامل بالا می رود که به ریشه می رسد، اما باز هم یک اکتاو بالاتر از قبل است.

مقیاس مینور هارمونیک چیست؟

در مقیاس مینور هارمونیک، درجه هفتم گام بالا می رود. با این که گام مینور طبیعی یک “هفتم بمل” یا “هفتم مینور” دارد، مقیاس مینور هارمونیک دارای یک “هفتم طبیعی” است. بله، درست خواندید! آن هفتم طبیعی در گام مینور طبیعی وجود ندارد! بیایید این دو گام را با هم مقایسه کنیم تا تفاوت را ببینیم.

مقیاس مینور طبیعی E از 7 نت تشکیل شده است:

E-F#-G-A-B-C-D .

مقیاس مینور هارمونیک E هم از 7 نت تشکیل شده است :

E-F#-G-A-B-C-D#.

تنها تفاوت بین این دو این است که D به D# تغییر پیدا کرد. این باعث می ‌شود که درجه هفتم یک تن پیشران باشد، درست مثل همان چیزی که در گام ماژور دارید. مقیاس مینور هارمونیک صدای “عربی” طوری تولید می ‌کند، زیرا ریشه این گام در موسیقی سنتی شمال آفریقا و شبه جزیره ایبری است. (البته در موسیقی راک هم استفاده می شود. برای شنیدن ترکیب بلوز و مینور هارمونیک ، تک نوازی اسلش را در آهنگ “Sweet Child O’ Mine” از Guns N’ Roses ببینید.)

مقیاس مینور ملودیک چیست؟

مقیاس مینور ملودیک یک گام عجیب و غریب است. با بالا رفتن این گام، درجه سوم بمل (یا سوم مینور) نواخته می شود، اما بقیه نت هایش مثل نت های یک مقیاس ماژور (درجه 6 طبیعی و 7 طبیعی) هستند. اما با به خاطر نزولی شدن مقیاس مینور ملودیک، درست مثل یک مقیاس مینور طبیعی نواخته می شود. مثال زیر را در نظر بگیرید:

مقیاس مینور ملودیک E در حال افزایش است :

E -F# -G -A -B -C# -D#

مقیاس مینور ملودیک E در حال کاهش است :

E -D -C -B -A -G -F#

از این سه مقیاس فرعی، مقیاس مینور ملودیک کم تر مورد استفاده قرار می گیرد. شما آن را در برخی از آثار موسیقی کلاسیک خواهید یافت، و برخی از نوازندگان جاز آن را در تک‌نوازی‌های شان اجرا می کنند.

مقیاس های پنتاتونیک و مقیاس های بلوز

مقیاس های پنتاتونیک نسخه کاهش یافته مقیاس های ماژور و مینور هستند.

مقیاس ماژور پنتاتونیک مقیاس ماژور بدون درجه 4 و 7 است. در اصل درجات باقیمانده به این صورت خواهند بود:

1-2-3-5-6

مقیاس پنتاتونیک مینور تغییر یافته مقیاس مینور طبیعی است. برای تبدیل مقیاس مینور طبیعی به مقیاس پنتاتونیک مینور، درجه 2 و 6 را حذف کنید. درجات باقیمانده عبارتند از:

1 -b3 -4 -5 -b7

مقیاس های بلوز مقیاس های پنتاتونیک با نت های اضافه هستند و این نت ها از نوازنده ای به نوازنده دیگر متفاوت اجرا می شوند. برای “بلوز کردن” یک مقیاس پنتاتونیک ماژور، این نت ها را اضافه کنید:

1-پنجم بمل (مثلا Ab در کلید D ماژور)

2- سوم بمل (برای همراه شدن با یک سوم طبیعی ، مثلا F در کلید D ماژور)

3- هفتم تخت (مثلا C در کلید D ماژور)

4- هفتم طبیعی (که در کلید D ماژور C# خواهد بود)، اما فقط به عنوان یک ” نت گذر ” بین C و D. اگر می‌خواهید صدای آهنگ تان بلوز طوری به نظر برسد، در استفاده از هفتم طبیعی معطل نکنید.

5- در واقع، اگر زیاد درنگ نکنید، می توانید هر نت را در مقیاس ماژور بلوز به کار بگیرید. اما یکی از نت هایی که عموما باید از آن اجتناب کنید، 6ام بمل است (مثل ًBb در کلید D ماژور). این نت واقعا مثل یک وصله ناجور در تونالیته ماژور خواهد بود.

برای “بلوز” کردن یک مقیاس پنتاتونیک مینور، این نت ها را اضافه کنید:

1-5 ام بمل

2- هفتم طبیعی علاوه بر هفتم بمل که از قبل در مقیاس پنتاتونیک مینور قرار دارد. ( اما فقط از آن برای گذر بین 7 و ریشه استفاده کنید. با این اوصاف در مقیاس بلوز مینور G می توانید از F# استفاده کنید، اما فقط برای اتصال F بهG ).

3- می توانید تقریبا هر نت دیگری را به مقیاس پنتاتونیک مینور اضافه کنید؛ به جز سوم طبیعی. در مقیاس G مینور بلوز معنایش اینست که شما نباید یک B طبیعی را اجرا کنید. این کاملا با ویژگی مینور بودن گامی که اجرا می کنید در تضاد خواهد بود.

4- اما به غیر از سوم طبیعی، تقریبا هر نتی اگر بدانید چه کاری انجام بدهید، می تواند با بقیه گام هماهنگ شود. این کار به تمرین و آزمون و خطا نیاز دارد، اما در نهایت می ‌توانید بفهمید که کدام نت‌ ها برای اضافه شدن به مقیاس پنتاتونیک بهترین گزینه هستند.

در مورد مُد ها چطور؟

مقام ها یا مُد ها (Modes) از نت های یک مقیاس ماژور یا مینور مشتق می شوند. به استثنای چند نوازنده جاز معروف، اکثر نوازندگان از مد هایی استفاده می کنند که از مقیاس ماژور گرفته شده است. این مد ها به شرح زیر هستند:

1-مد ایونین (Ionian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از ریشه شروع می شود. بنابراین مقیاس C ماژور و مد C Ionian دقیقا مجموعه یکسانی از نت ها را دارند ، یعنی این نت ها:CDEFGAB . این به این معناست که “مد ایونین” فقط یک روش فانتزی برای بیان ” گام ماژور ” است.

2- مد دوریان (Dorian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 2 شروع می شود. مد دوریان پسر عموی مقیاس مینور به حساب می آید و بین گیتاریست ‌ها از بزرگان جاز مثل Pat Martino گرفته تا خرده هنرمندانی مثل Kirk Hammett بسیار محبوب است.

3- مد فریژین (Phrygian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 3 شروع می شود. مد فریژین هم تونالیته مینور دارد و بیشتر موسیقی عربی اسپانیا و شمال آفریقا را تداعی می کند.

4- مُد لیدیان (Lydian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 4 شروع می شود. مد لیدیان ارتباط نزدیکی با یک مقیاس ماژور دارد و احساس شادی و سرزندگی را در شنونده بر می انگیزد. این مد در موسیقی فیلم های الهام بخشی مثلET: The Extra-Terrestrial جان ویلیامز بسیار محبوب است.

5- مد میکسولیدین (Mixolydian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 5 شروع می شود. با مقیاس ماژور هم مرتبط است، مد میکسولیدین در موسیقی راک، بلوز و فیوژن شنیده می شود. برای شنیدن این مد، به تکنوازی گیتار در ” Reelin’ In The Years ” استیلی دن گوش بدهید.

6- مد ائولین (Aeolian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 6 شروع می شود. این مد در واقع همان الگوی نت مقیاس مینور را دارد، بنابراین مثل مد ایونین ، این مد فقط یک روش فانتزی برای بیان گام ” مینور ” است.

7- مد لوکرین (Locrian). یک الگوی مقیاس ماژور است که از درجه 7 شروع می شود. حالت لوکرین سخت و پیچیده است و به ندرت استفاده می شود. گاهی اوقات تکنوازان جاز از آن برای آکورد های کاسته استفاده می کنند، اما در قطعات پاساژ طولانی خوشایند به گوش نمی رسد.

تنظیم در آهنگسازی چیست؟

تنظیم در آهنگسازی چیست؟

 

فرض کنید من به شما یک آفتابگردان و دوازده گل میخک داده ام و بعد از شما می خواهم آن ها را به صورت یک دسته گل کنار هم بچینید. شما چه کار می کنید؟
کلاس آواز سنتی در غرب تهران
من فکر می کنم شما بعد از کمی تامل، گل آفتابگردان را در وسط گل های کوچک تر قرار خواهید داد تا آن را پوشش دهند. شاید از نظر هنری کار دست را نکرده باشید اما معمولا همین چیدمان را انجام خواهید داد.

قطعه اصلی تان را پیدا کنید

شاید این کار برای تان به سختی بلعیدن یک قرص تلخ باشد ؛ مخصوصا اینکه زمان و انرژی کمی برای سر هم بندی کردن لایه های مختلف داشته باشید . . . اما باید بدانید که در نظر گرفتن تمام صدا ها در میکس ضرورتی ندارد. در واقع، کانون توجه به اندازه کافی بزرگ هست که بتواند به طور هم زمان روی یک یا چند عنصر متمرکز شود.

در کل تصمیم گیری در مورد تنظیم، وقتی از قبل تصمیم می گیرید که کدام بخش ها در اولویت باشند و چه مواردی برای پشتیبانی از آن ها باشند، راحت تر و نتیجه بخش تر خواهد بود.

بیشتر از این نمی توان روی این نکته تاکید کرد که یک تنظیم خوب در مورد پیدا کردن قطعه اصلی آهنگ تان و ساختن یک چارچوب پیرامون آن است.

آیا میخواهید به یادگیری مهارت‌ های جدید در زمینه خوانندگی بپردازید؟ آیا به یادگیری تکنیک های پیشرفته صداسازی احتیاج دارید؟ آیا به دنبال آموزش سلفژ برای خوانندگی هستید؟
دانلود پکیج آموزش خوانندگی را به شما پیشنهاد میکنیم!

در پایان این مقاله متوجه خواهید شد که:

1-سه نوع تنظیم مختلف وجود دارد و این که تنظیم فقط در مورد ترتیب بخش ها در آهنگ نیست.

2-چرا تنظیم در موسیقی مهم است و چه ارتباطی با هدف شماره یک شما به عنوان یک تهیه کننده که تکمیل آهنگ ها است، دارد؟

3-چه موقع زمان تنظیم یک آهنگ است؟

4-می توان لوپ را به یک آهنگ تنظیم شده تبدیل کرد

5-شش کلید هایپر بیت برای تنظیم بهتر وجود دارد

بزرگ ترین افسانه درباره تنظیم آهنگ

تنظیم چیست؟ تا حدودی جواب مشخص است . تنظیم، کار روی یک آهنگ از ابتدا تا انتها است که شامل بخش های مقدمه، ورس، Buildup، کورس، breakdown، دراپ و موخره است.

و مطمئناً این تعریف سنتی تنظیم است و به معنای انتقال بخش های مختلف آهنگ تان در قسمت درستش است. نحوه انجام این کار را برای تان توضیح خواهیم داد. کلاس آواز آنلاین

اما اگر اعتقاد دارید که همه چیز ها باید تنظیم شوند، یادتان نرود که یک چارچوب برای بهتر سر هم کردن بخش های مختلف آهنگهای تان وجود دارد . تنظیم راهی برای بررسی آهنگ از چند زاویه مختلف به منظور حذف بخش های اضافی و کار روی بخش های موثر است. هر نوع تنظیمی هم به معنای این نیست که آهنگ مخاطب تان را صد در صد جذب خودش می کند.

در واقع سه نوع تنظیم وجود دارد و تصمیم گیری جدی برای هر سه مورد نیاز است تا آهنگ تان با موسیقی دلخواه تان مطابقت داشته باشد.

اولین و آشناترین نوع، تنظیم ساختاری است که انتقال انرژی و بخش های مختلف آهنگ به قسمت مناسب شان است.

بعد تنظیم ساز است که یعنی چطور نت ها، آکورد ها و ملودی ها را بین ساز های مختلف کار شده در آهنگ تان، پخش کنید. یادتان باشد این کار می تواند در طول مسیر شما تغییر کند! انتقال خط ملودی از وکال به سینتی سایزر ممکن است باعث شود که آهنگ به شیوه ای جدید و تازه تر به پایان برسد.

در نهایت تنظیم قسمتی است که به معنای قرار دادن صدا ها در میکس با تعیین میزان صدای شان است. پس تنظیم ها به این صورت هستند:

    تنظیم ساختاری
    تنظیم سازی
    تنظیم مکانی

تنظیماتی که در بالا به آن ها اشاره کردیم ممکن است برای تان ناملموس باشد، به همین دلیل هر کدام را به کلمات ساده تری تعبیر می کنیم:

    جریان
    صداگذاری
    میکس

اهمیت تنظیم در موسیقی

آیا تا به حال دوستی داشته اید که برای شما جوکی را با تمام جرئیات تعریف کند ، طوری که قسمت خنده دار جوک در بین این جزئیات گم شود؟ احتمالا بعد از کمی تامل و توضیح متوجه نکته خنده دار جوک خواهید شد

حالا تنظیم را با جوک مقایسه کنید. اگر همه بخش ها تنظیم شوند، آهنگ آن زیبایی که باید را ندارد.

این است تفاوت بین یک ایده ای که بسیار ضعیف اجرا شده و یک تنظیم بی عیب و نقص…

وقتی می گویم پویایی در موسیقی کلید آهنگ های احساسی است، برای نشان دادن این است که چه تعداد کلمه مختلف در واژگان موسیقی ما به این نکته اساسی اشاره دارند. به روشی مشابه، من از شما می خواهم کلمه “تنظیم” را با یک کلمه جدید جایگزین کنید، کلمه ای که به شما کمک می کند تا روی یک عمل تمرکز کنید.

زمان تنظیم است

تاکنون در مورد تنظیم آهنگ صحبت کردیم، اما من می خواهم بیشتر به آن بپردازم. آنچه یک آهنگ را به آهنگ درست تبدیل می کند، تنظیم آن است . با کمک این مقاله می خواهم به شما نشان دهم که چطور ایده خود را به آهنگ تبدیل کنید.

اگر بیش از یک روز موسیقی تولید کرده اید، می دانید که در این فرآیند تصمیمات متعددی باید گرفته شود. بهترین تولیدکنندگان سیستمی برای پرداختن به این تصمیمات و پیگیری آن ها ایجاد کرده اند. پس از ضبط صدای نهایی، لازم نیست دیگر به فکر تنظیمات ساختاری باشید. و واقعا بعد از ایجاد توالی آکورد ها نباید درگیر جزئیات تنظیم میکس شد.

متدولوژی هایپر بیت ها در تنظیم، بر اساس سه نوعی که گفتیم به صورت زیر است:

صداگذاری ( سازی )

تعیین این که به کدام ساز ها ملودی، آکورد و هارمونی اختصاص بدهیم، می تواند در ابتدا یا انتهای روند کار ادامه داشته باشد. این کار در هر دو صورت هم امکان پذیر است اما چه در مرحله طرح اولیه باشد و چه در مرحله تکمیل آهنگ، هنوز هم تصمیماتی هست که باید گرفته شود.

برخی از تولیدکنندگان دوست دارند برای ساخت آکوردشان با یک قطعه کوتاه با پیانو شروع کنند. بقیه ترجیح می دهند ابتدا به طرح صدا بپردازند. اگر به صداگذاری چند سینتی سایزری علاقه دارید، چند آکورد را در آن بگنجانید. بین این دو هر کدام برای شما و کارتان بهتر و ساده تر است را انجام بدهید.

همانطور که گفته شد، شما باید در برخی موارد تصمیماتی در مورد نحوه صداگذاری روی آهنگ تان بگیرید. طراحی صدا هم در مراحل اولیه مزایای خاص خودش را دارد. اگر تصمیم بگیرید که آن آکورد ها را به جای اینکه به یک پیانو رودز اختصاص بدهید، روی پلی سینتی سایزر دهه 80 بگذارید، مسیر و صدای آهنگ تان تغییر خواهد کرد.

من طرفدار تصمیم گیری و حرکت سریع هستم، اما شما باید آنچه برای تان مناسب تر است را پیدا کنید. فقط به خاطر داشته باشید که تخصیص ملودی و هارمونی به ساز ها یعنی جایی که طراحی صدا و تنظیم به هم می رسند و نباید از آن غافل شد.

جریان ( ساختاری )

هنگامی که ایده اصلی را خلق می کنید، باید به فکر تنظیم جریان باشید. این مرحله می تواند یک لوپ 8 میزانی، توالی آکورد و ملودی یا یک قطعه پر انرژی باشد که تمایل دارد دراپ قابل توجهی داشته باشد.

در حال حاضر، شما آهنگی ندارید. شما یک ایده هیجان انگیز دارید. اما برای این که این ایده تبدیل به یک آهنگ شود، به بخش دیگری نیاز دارد. شما نقطه B را دارید و حالا به نقطه A نیاز دارید. با تغییر نگرش (که در ادامه به آن اشاره خواهیم کرد) می توانید هر بخشی از موسیقی را انتخاب کنید و همتایش را درست کنید.

کسانی که من را می شناسند، می دانند چه اتفاقی می افتد. اما آن قدر مهم است که دوباره به آن می پردازم.

برای خلق یک موسیقی عالی، به یک مرجع نیاز دارید.

استفاده از فرم های امتحان شده و واقعی آزاد است. در واقع ساخت موسیقی نو و مبتکرانه در محدودیت ها، بسیار آسان تر از تلاش برای ابداع دوباره آن است. مراجعه به سادگی انتقال آهنگی که دوست دارید به DAW تان و دستکاری آن مطابق با سرعت آهنگ و اضافه کردن پرچم یا علامت در ابتدای هر بخش جدید است.

نیازی نیست که کاملاً با هر میزان هم خوانی داشته باشد، اما بگذارید ساختار آهنگ تان با یک قاعده غیرسختگیرانه پیش برود. هنگامی که ساختاری برای کار در اختیار شما قرار گرفت، می توانیم به راحتی از این ایده استفاده کنیم و با مهندسی معکوس راهی برای ایجاد آن پیدا کنیم.

اگر بخواهم صادقانه بگویم هزاران پست وبلاگی در مورد ” خروج از لوپ ” وجود دارد. همه آن ها هم دقیقاً همان توصیه ای را ارائه می کنند که ما پیشنهاد داده ایم.

همان طور که گفته شد، بیش از حد فکر نکنید. آهنگ مرجع را مستقیماً به DAW تان بکشید، آن را با BPM دستکاری کنید و یک برنامه دقیق برای خودتان بریزید. بعدا فرصت های زیادی برای خارج شدن از پروسه تولید وجود خواهد داشت.

میکس (فضا سازی)

ترتیب عناصر داخل آهنگ تان برای ایجاد یک میکس منسجم از حوصله این مقاله خارج است، اما پس از ایجاد جریان و صداگذاری صورت می گیرد. به عبارت دیگر این کار پس از پایان ساخت آهنگ انجام می شود.

من واقعا به هنر میکس علاقه دارم. سال ها وقت صرف یادگیری کار هایی که باعث ایجاد یک میکس عالی می شود، کرده ام. تدریس روش و مهارت های فنی مورد نیاز برای میکس، زمان بر است. اگر به دنبال یادگیری صفر تا صد یک آهنگ هستید، دوره های زیادی از ساخت تا میکس یک آهنگ وجود دارد که می توانید در آن ها شرکت کنید.

تغییر ذهنیت برای تبدیل لوپ به آهنگ

در این بخش نکته ای وجود دارد که من در حرفه ام به عنوان تهیه کننده موسیقی، دوباره آن را یاد می گیرم و آن هم این است که:

حذف چیزی که از قبل وجود دارد، آسان تر از این است که تلاش کنید تا چیزی که نیست را اضافه کنید.

فیلتر کردن فرکانس ها از یک سینتی سایزر، استفاده از اکوالایزر کاهشی، زدن دکمه قطع (mute) و … اقدامات ساده ای هستند، اما برای ایجاد هدروم و فضا در میکس، 90 درصد موثرتر از تقویت یا افزودن صدا های جدید هستند.

همین اصل در مورد تنظیم هم صادق است. کم کنید اما اضافه نکنید!

این روش به تنظیم کاهشی معروف است و توسط همه از ill gates گرفته تا دنیس دسانتوس مورد استفاده قرار گرفته است.

لوپی که ساخته اید، در نهایت کورس نهایی تان خواهد بود. آن را کپی و پیست کنید تا به اندازه 3-4 دقیقه محتوا داشته باشید. آن را برای آخرین کورس با تمام قدرت نگه دارید، اما برای بخش های دیگرتان هر تعدادی که می توانید را Mute کنید. پس از ایجاد طرح اولیه با چند عنصر مشترک، در صورت تمایل می توانید ساز جدیدی را هم اضافه کنید. با این حرکت ساده، شما از بخش B که قبلا ساخته اید به بخش A بر می گردید.

تنظیم کاهشی رویکردی است که به شما امکان می دهد تا هر ایده ای را به یک آهنگ تبدیل کنید و نیاز است تا زمانی که یک داربست یا چارچوب برای ساختن داشته باشید، با حذف بخش های مختلف از ایده ای که دارید به عقب برگردید.

شش کلید هایپر بیت برای یک تنظیم بهتر

تنظیم یکی از مهم ترین مهارت های یک تولیدکننده برای بهتر کردن یک آهنگ است، زیرا همه چیز از میکس کردن گرفته تا نحوه رسیدن به ایده ای که در ابتدا از آن الهام گرفته اید، را پوشش می دهد. در این جا شش کلید برای تنظیم بهتر را در اختیارتان قرار داده ایم:

1-یک تنظیم خوب تنظیمی است که در آن آهنگ خیلی زود تمام شود. بهتر است به جای این که یک ثانیه به آن اضافه کنید تا آهنگ طولانی تری داشته باشید، آهنگ را با یک ثانیه زودتر تمام کنید. آیا ترجیح می دهید شنونده تان دوباره آهنگ را گوش کند یا علاقه اش را با بیش از حد شنیدن آهنگ از دست بدهد؟ آهنگ های تان را کوتاه تر، ساده تر و دقیق تر تنظیم کنید.

2- قبلاً هم گفته ام و هزار بار دیگر هم خواهم گفت که به موسیقی های دیگر مراجعه کنید. این کار واقعا کمک تان خواهد کرد. یا کتاب من با عنوان Steal like an artist را بخوانید.

3- از درجات مختلف دینامیک برای حرکت بین بخش ها استفاده کنید. حرکت از یک ورس مهار شده به یک کورس بزرگ تاثیر بیشتری خواهد داشت نسبت به موقعی که همه چیز از میزان اول، بزرگ و بلند باشد. توجه به این نکته دینامیک، تنظیم را برای تان شگفت انگیزتر خواهد کرد.

4- ریسک کنید و چیز های جدید را امتحان کنید. با این کار در حق خودتان لطف خواهید کرد. این ریسک می تواند طراحی صدا برای انتقال، روش جدید استفاده از سینتی سایزر یا یک افکت باشد. … این تنها راه برای تازه و جالب نگه داشتن تنظیمات تان نیست، بلکه راهی برای درگیر شدن و به چالش کشیدن شما در روند نوشتن است.

5- از تکرار به نفع خودتان استفاده کنید. با تکرار به اندازه کافی، هر چیزی می تواند به ملودی یا موتیف اصلی یک آهنگ تبدیل شود. این روش یکی از قدرتمندترین، ابتدایی ترین و در عین حال یک ابزار کم تر استفاده شده در تولید موسیقی است. بخشی را تکرار کنید. آن را با یک تغییر ظریف و یا روی ساز های مختلف تکرار کنید. این حرکات باعث ایجاد تکرار از نوع call and response می شود.

6-در طرف مقابل، در نظر گرفتن رویداد های مقطعی برای علاقه مند نگه داشتن شنونده و ایجاد لحظات خاص و خاطره انگیز در طول تنظیم ضروری است. این رویداد ها می توانند وکال چاپ های یک دفعه ای، اجرای خشن درام، تاخیر رنجیره ای در صداگذاری و… باشد. گزینه ها بی پایان هستند. چیزی را پیدا کنید که مناسب آهنگتان باشد و به جزئیات آن توجه ویژه ای داشته باشید.

در نهایت یک تنظیم خوب تنظیمی است که از مسیر خارج شود تا پیام در موسیقی تان بدرخشد. این احتمال وجود دارد که چند بار تکرار انجام شود تا تنظیم درستی حاصل شود اما اگر بر روی تنظیم کاهشی تمرکز کنید، اشتباه نخواهید کرد. این کار به تمرین نیاز دارد و بیش از همه به تکمیل آهنگ های مختلف نیاز دارد تا عادت کنید به غریزه خودتان اعتماد کرده و سریع حرکت کنید.

به زودی خواهید فهمید که تنظیم به بخشی جدا نشدنی از جریان کارتان از ایده اولیه گرفته تا میکس تبدیل می شود.

تمرین های صدا سازی و تقویت صدا

تمرین های صدا سازی و تقویت صدا

 

بسیار از افراد که در حرفه ی خوانندگی فعالیت می کنند به صدا سازی و تقویت صدا اهمیت زیادی می دهند زیرا هر چقدر که صدای شما جذابیت بیشتری داشته باشد کلاس آواز شنتی در غرب تهران قطعا مخاطبین زیاد تری را نیز خواهید داشت قطعا هیچ کس دوست ندارد تا به صدای خوانندگانی که خارج از گام های آهنگ آواز می خوانند، گوش کند.
 

تمرینات ویژه گرم کردن صدا و همچنین صدا سازی و تقویت صدا
 
 تمرینات صدا سازی به آمادگی نیاز دارد و حتما باید قبل از انجام این تمرینات با کمک یک معلم آواز با تجربه صدای خود را گرم کنید. صدا سازی و تقویت صدا تنها برای افراد مبتدی نیست بلکه خوانندگان حرفه ای نیز به انجام این تمرینات نیاز دارند و باید این تمرینات را به صورت مداوم انجام دهند تا تارهای صوتی آنها دچار مشکل نشود. تمرین های صداسازی بهتر است با استفاده از ساز های مختلف به خصوص پیانو انجام شود زیرا این کار به شما کمک می کند تا متوجه شوید که از گام آهنگ خارج شدی یا خیر؟ در این مقاله قصد داریم تا شما را با برخی از تمرین های صدا سازی و تقویت صدا آشنا کنیم. برخی از این تمرین ها عبارتند از: تمرین Solfege،  تمرین Hmm، تمرین Nng و …

خیلی از افراد که وارد حرفه ی خوانندگی می شوند به دنبال صدا سازی و تقویت صدا هستند. داشتن یک صدای زیبا و قدرتمند نیاز به تمرین زیاد دارد. شاید از خود بپرسید آیا تمرین زیاد یعنی اینکه آواز های گوناگون بخوانیم؟ در پاسخ به این سوال باید بگویم خیر شما با خواندن آهنگ مورد علاقه خود در حال تمرین هستید اما این کار کافی نیست و شما برای داشتن یک تمرین کامل که بتواند به صدا سازی و تقویت صدا کمک کند به یک معلم آواز با تجربه نیاز دارید. معلم آواز با یاد دادن تمرین های روزانه به شما کمک می کند تا به بهبودی صدا خود بپردازید.

 آموزشگاه موسیقی رادفر با داشتن اساتید برتر کشور می تواند به افرادی که تازه وارد حرفه ی خوانندگی شده اند یا حتی با خرید دانلود پکیج آموزش خوانندگی به خوانندگان حرفه ای در زمینه صدا سازی و تقویت صدا کمک زیاد کند.

تمرین های صدا

حرفه ی خوانندگی مانند ورزش است. ورزشکاری را تصور کنید که پس از تلاش و تمرین های سخت به قهرمانی می رسد، ورزشکار پس از قهرمانی قطعا نیاز به تمرین های سنگین تری خواهد داشت تا بتواند خودش را در بالاترین سطح نگه دارد. البته می توانید تمرین صدا به شیوه مداحان را نیز انجام دهید.
کلاس آواز آنلاین
خوانندگی نیز دقیقا همین روند را دارد؛ فردی که به تازگی وارد حرفه ی خوانندگی می شود نیاز به تمرین های صدا سازی و تقویت صدا دارد تا بتواند یک صدای محبوب و جذاب را داشته باشد پس از کسب این صدا قطعا نیاز به تمرین های جدید و سنگین تری خواهد داشت. همانطور که قبل از تمرینات در ورزش بدن شما نیاز به گرم کردن دارد در خوانندگی نیز تار های صوتی شما نیاز به گرم شدن دارد. پس از اینکه تار های صوتی خود را گرم کردید شما آماده انجام تمرینات صداسازی و تقویت صدا هستید. برخی از این تمرینات را در ادامه با هم بررسی خواهیم کرد.

فردی که به تازگی وارد حرفه ی خوانندگی می شود نیاز به تمرین های صدا سازی و تقویت صدا دارد تا بتواند یک صدای محبوب و جذاب را داشته باشد

تمرین Hmm

شما از می دانید که چگونه صدا تولید کنید اما نکته مهم این است که نمی دانید چقدر برای صدای شما مناسب است تا هم برای مخاطبان جذاب باشد و هم به تار های صوتی شما آسیبی وارد نشود. این تمرین یک روش صدا سازی و تقویت صدا است که برای شروع آواز بسیار مناسب است زیرا این روش به شما کمک می کند تا بدون اینکه فشار زیادی به تار های صوتی تان بیاید آواز خواندن را شروع کنید.

برای انجام این تمرین شما از یک نت به عنوان مثال C میانه و یک نت پایین مثل «Hmm» این تمرین را شروع می کنید و به صورت نزولی است. این تمرین در صدا های موسیقی مانند:« Sol-Fa-Mi-Re-Do» بسیار تاثیر گذار است و سبب صدا سازی و تقویت صدا شما به صورت مناسب و حرفه ای خواهد شد. برای انجام این تمرین به صورت زیر عمل می کنیم:

    لب ها را کنار هم نگه دارید.
    فک بالا و پایین را از هم جدا کنید.
    به آرامی با یک نت پایین شروع به تولید صدا کنید..
    هر بار تولید صدای خود را نیم گام به پایین هدایت کنید و صدای خود را آرام تر کنید. 5 بار این کار را تکرار کنید.
    سپس به گام اول که شروع به تولید صدا کردید برگردید.

این عمل را 3 الی 5 بار تکرار کنید. اگر مدتی بعد این کار برای شما راحت شد یک صدای«ah» به «Hmm» اضافه کنید. بنابراین این روش به روش «Hmm-ah» تبدیل خواهد شد.

به کلمه «Singing» دقت کنید در زمان که این کلمه را تلفظ می کنید در انتهای این کلمه صدای «Ng» را می شنوید برای تلفظ این کلمه باید به صدای بینی تکیه کنید

تمرین Nng

به کلمه «Singing» دقت کنید در زمان که این کلمه را تلفظ می کنید در انتهای این کلمه صدای «Ng» را می شنوید برای تلفظ این کلمه باید به صدای بینی تکیه کنید؛ از این قبیل کلمات در آهنگ های فارسی نیز وجود دارد و ای صدا ها باید از بینی تولید شود. تمرین «Nng» یکی از تمرین های صدا سازی و تقویت صدا است که سبب می شود تا صدای شما از سینه به سر انتقال یابد. برای انجام این تمرین دقیقا مشابه تمرین «Hmm» عمل می کنیم ولی به جای «Hmm» از «nng» استفاده می کنیم. اگر این تمرین برای شما راحت شود به جای «nng» از «nng-ah» در تمرین استفاده کنید. این تمرین نیز مانند تمرین «Hmm» شامل 5 مرحله با گام نزولی است.

تمرین Solfege

تمرین Solfege یکی از روش های مدرن برای صدا سازی و تقویت صدا است که به خوانندگان کمک می کند تا دامنه صدای خود را افزایش دهد. قطعا هیچ کس دوست ندارد به صدای یک خواننده که خارج از گام می خواند، گوش دهد. تمرین Solfege به شما آموزش می دهد تا گام های درست را بشنوید و با انجام این تمرین محدوده صدای خود را تقویت کنید. اگر این تمرین را به همراه پیانو و acapella انجام دهید تاثیر بیشتر در صدا سازی و تقویت صدا خواهد داشت.

هر از گاهی می توانید با فشردن یکی از کلید های پیانو مطمئن شوید که هنوز از گام خارج نشده اید. برای تاثیرگذاری بیشتر تمرین Solfege را با یک گام بلند شروع کنید و زمانی که به قسمت های آرام و ناراحت کننده آهنگ می رسید کمی مکث کنید. برای انجا این آهنگ از c میانه (یک گام بالا) به طور مثال:  Do-Re-Fa-Sol-La-Ti-Da شروع کنید و سپس گام های پایین مانند:Da-Ti-La-Sol-Fa-Mi-Re-Do را بخوانید.

این کار را بسیار با دقت انجام دهید و سعی کنید خوب به گام ها گوش کنید و به درستی گام ها را اجرا کنید. پس از اینکه مدتی این کار را انجام دادید و برای شما این کار آسان تر شد شروع به عکس این تمرین کنید به عبارت دیگر از یک گام پایین شروع کنید و به نقطه اوج آهنگ برسید برای این کار به زمان بیشتری نیاز خواهید داشت اما با انجام این تمرین  خوانندگان قادر خواهند بود در هر دو جهت به بهبودی صدا خود کمک کنند.

پیانو در تمرین Solfege

پیانو در این تمرین می تواند بسیار تاثیر گذار باشد و به شما این امکان را می دهد تا متوجه شوید گام های یک آهنگ را درست اجرا می کنید یا از گام خارج شده اید؟ اما اگر در تمرین های Solfege پیانو ندارید ناامید نشوید و شما می توانید با استفاده از پر بال دادن به صدای خود همان نقش پیانو را اجرا کنید. حتی شما می توانید با استفاده از برنامه های اندرویدی پیانو بر روی گوشی خود نیز استفاده کنید.

استفاده از پیانو همراه تمرین Solfege به شما این امکان را می دهد تا هنگام تمرین نت یادداشت برداری کنید. شما همچنین می توانید از معلم های آموزشگاه موسیقی فردوس بخواهید تا گام های از یک آهنگ را برای شما ضبط کنند و شما با استفاده از این گام ها به تمرین خود بپردازید. استفاده از یک معلم آواز با تجربه در این تمرین می تواند بسیار در صدا سازی و تقویت صدا به شما کمک کند.

پیانو در تمرین Solfege می تواند بسیار تاثیر گذار باشد و به شما این امکان را می دهد تا متوجه شوید گام های یک آهنگ را درست اجرا می کنید یا از گام خارج شده اید؟
تمرین من عاشق آواز خواندن هستم (I Love to sing)

دامنه صدای شما با استفاده از arpeggio تعیین می شود. آکورد های که به قطعات کوچک تقسیم می شوند را  یک arpeggio در نظر بگیرید. نت های که به صورت جداگانه آکورد را تشکیل می دهند به سه شکل صعودی، نزولی و تصادفی تقسیم می شوند. این تمرین را شما باید با یک نفس انجام دهید بنابراین این تمرین سبب تقویت نفس شما نیز می شود. به قول معروف این تمرین یک تیر و دو نشان است.

لبخند به شما کمک می کند تا صدای واضحی داشته باشید برای انجام این تمرین بهتر است که با یک آکورد به عنوان ریشه شروع کنید و  در ادامه به آن octave، 5، 3 اضافه کنید و دوباره به ریشه باز گردید. یا اگر شما به تازگی فعالیت خود را در خوانندگی شروع کردید و فکر می کنید که این روش کمی شما را گیج کرده است این روش را اینگونه اجرا کنید که ابتدا با C میانه شروع کنید و سپس به آن c اکتاو، G و  E را اضافه کنید و سپس به C میانه برگردید.

به طور مثال من یک خواننده هستم و می خواهم این تمرین را با C میانه اجرا کنم ابتدا با  C میانه شروع می کنم سپس گام را بالاتر C خواهم برد و سپس به G بالا خواهم رفت و از G به E و در نهایت به C میانه باز خواهم گشت. این بالا و پایین کردن گام ها را از 2 الی 3 بار انجام دهید و حتما توجه داشته باشید که این کار را با یک نفس و به سرعت انجام دهید.

صدای زننده (Nasty Nays)

برخی از مواقع می خواهید صدای زننده ای را برای شخصیت های ترسناک مانند: جادوگر ها و … را برای سریال ها یا آهنگ های تیتراژ تولید کنید. این تمرین یکی از تمرین های صدا سازی و تقویت صدا به شمار می رود با ترکیب صدای قفسه سینه و صدای سر می توانید به پیشرفت صدای خود کمک کنید. این تمرین به طور مثال در گفتن کلمه نه به صورت شیطانی بسیار کاربرد دارد که این صدا بینی را نیز دربر می گیرد. برای گفتن این کلمه شما مجبورید این کلمه را در 5 گام بالا و پایین می کنید. در تمرین solfege این موارد عبارتند از: Do-Re-Mi-Fa-Sol-Fa-Mi-Re-Do

این تمرین را باید از C میانه شروع کنید و سپس زمانی که گام را تمام کردید، برای شروع مجدد یک گام از C میانه جلوتر شروع کنید. نکته مهم در این جا این است که گام را افزایش دهید اما جای که احساس کردید صدای شما دچار ناراحتی یا خستگی شده است فورا آواز خواندن را قطع کنید.

تاثیرات موسیقی بر ذهن

تاثیرات موسیقی بر ذهن

 

گوش دادن به موسیقی در زمان کارهای کسالت‌بار می‌تواند وسوسه‌انگیز باشد، البته برخی آن را باعث حواس‌پرتی می‌دانند؛ اکنون یک نرم‌افزار جدید مدعی است که می‌تواند گستره توجه فرد را با استفاده از شبکه‌های موسیقی مبتنی بر اعصاب و روان، تا 400 برابر افزایش دهد. آموزش آواز سنتی در غرب تهران موسیقی در برنامه Focus@ برای کمک به افراد در دستیابی به تمرکز و جلوگیری از حواس‌پرتی در کنار حفظ اطلاعات در زمان مطالعه، نوشتن و خواندن طراحی شده است. به گفته سازندگان، نیمی از مردم در زمان کار به موسیقی گوش می‌دهند، اما ممکن است موسیقی اشتباه ر ا انتخاب کرده باشند چرا که آهنگهای دارای متن برای برقراری ارتباط فکری و احساسی با افراد طراحی شده‌اند و می‌توانند حواس آنها را پرت کنند.

برنامه مذکور از شبکه‌های موسیقی تقویت‌کننده توجه برخوردار است که به گفته شرکت سازنده مستقر در سانفرانسیسکو بطور علمی برای تعامل با سیستم لیمبیک مغز طراحی شده‌اند. نرم‌افزار Focus@ با همکاری دانشمندان عصب‌شناسی همچون دکتر استفن سایدرآف، استاد روانشناسی دانشگاه کالیفرنیا در لس‌آنجلس ساخته شده است.

آیا میخواهید خوانندگی را از ابتدا بیاموزید؟ آیا میخواهید به یادگیری مهارت‌ های جدید در زمینه خوانندگی بپردازید؟ آیا به دنبال آموزش سلفژ برای خوانندگی هستید؟ با خرید دانلود پکیج آموش خوانندگی در این پکیج آموزشی، به طور مفصل به آموزش سلفژ پرداخته میشود و تمام مباحثی از سلفژ که برای خوانندگی مورد نیاز است، شرح داده میشود.

به گفته سازندگان، کارآزمایی‌ها نشان داد این برنامه منجر به افزایش 15 درصدی نشانگرهای توجه و تمدید زمان جلسه تا 400 بربر شده بود. به باور آنها، بیشتر افراد تنها می‌توانتد تا 100 دقیقه بر روی یک موضوع تمرکز کنند و بعد از آن به یک استراحت سریع نیاز دارند. اما این برنامه تمرکز را برای افراد آسانتر کرده و مدت بیشتری آنها را متمرکز نگه می‌دارد.

به طور معمول حدود 20 دقیقه طول می‌کشد تا انسان با یک کار آشنا شود و مغز با صداها و منحرف‌کننده‌ها در یک محیط کنار بیاید.این برنامه به ارائه چند قطعه موسیقی می‌پردازد که نقش خاصی را در تاثیرگذاری بر چگونگی خو گرفتن مغز با یک محیط و کاهش منحر‌ف‌کننده‌های حواس ایفا کرده و آهنگها در یک مجموعه تنظیم شده برای حصول اطمینان از متمرکز ماندن فرد پخش می‌شوند. کلاس آواز آنلاین

در باب تاثیر موسیقی بر مغز، کارشناسان معتقد هستند که اگر می‌خواهید بدن خود را قوی کنید، به باشگاه بروید و اگر می‌خواهید مغز خود را تمرین دهید، به موسیقی گوش دهید؛ زیرا تحقیقات نشان داده‌اند که گوش دادن به موسیقی می‌تواند اضطراب، فشار خون و درد را کاهش دهد و هم‌چنین کیفیت خواب، خلق‌وخو، هوشیاری ذهنی و حافظه را بهبود بخشد.

البته زمانی می‌توانید انتظار این اثرات و فواید موسیقی بر روی مغز را داشته باشید که یک موسیقی آرام‌بخش، شاد و در عین حال معنی‌دار گوش دهید. احتمالا تاثیر موسیقی غمگین بر مغز یا تاثیر موسیقی رپ بر مغز اینگونه نخواهد بود.

موسیقی را می‌توان به‌عنوان درمان ذهنی برای از بین بردن استرس استفاده کرد. بسیاری از آزمایشات و مشاهدات علمی نیز ثابت کرده‌اند که موسیقی می‌تواند واقعا برای ذهن و روح مفید باشد. البته اگر با گوش دادن اعتیادآور به آن با اثرات مخرب موسیقی بر مغز مواجه نشوید. در ادامه به جزئیات بیشتری از اثرات موسیقی بر مغز و تاثیر موسیقی بر زندگی انسان اشاره خواهیم کرد.

نحوه تاثیر موسیقی بر مغز شما چگونه است؟

کارشناسان در زمینه چگونگی تاثیر موسیقی بر ذهن انسان در تلاشند تا بفهمند مغز ما چگونه می‌تواند موسیقی بشنود و پخش کند.

طی یک بررسی اثر موسیقی بر امواج مغزی مطالعه الکتروانسفالوگرافی کمی، مشخص شده است که ارتعاشات صدا پرده گوش را غلغلک می‌دهند، به سیگنال الکتریکی تبدیل می‌شوند، از طریق عصب شنوایی به ساقه مغز می‌رسند و در آن‌جا دوباره به چیزی که ما به‌عنوان موسیقی درک می‌کنیم تبدیل می‌شوند.

از نظر محققان ازآنجایی‌که موسیقی ساختاری از ریاضی و معماری است، مغز شما باید محاسبات زیادی را انجام دهد تا آن را درک کند.

اثرات مثبت و تاثیر موسیقی بر سلامت مغز

در این بخش قصد داریم تا شما را با فوائد و اثر موسیقی بر مغز تقویت آشنا کنیم.

۱. به بهبود هوش کلامی کمک می‌کند

نه تنها گوش دادن به موسیقی، بلکه یادگیری موسیقی و نواختن موسیقی نیز تأثیر بسیار مثبتی بر ذهن دارد. افرادی‌که نواختن پیانو، گیتار و سایر آلات موسیقی را یاد می‌گیرند، قدرت بصری و IQ خوبی دارند. زیرا هنگام تمرین یک ساز موسیقی، هماهنگی بین ذهن و بدن تقویت می‌شود. بسیاری از مطالعات نیز این تأثیر بسیار مثبت موسیقی بر بدن را ثابت کرده‌اند.

۲. قدرت خلاقیت را افزایش می‌دهد

گوش دادن به موسیقی به‌خصوص یک آهنگ جدید مغز را به چالش می‌کشد. ممکن است در ابتدا احساس خوشایندی نداشته باشد، اما این ناآشنایی مغز را مجبور می‌کند تا برای درک صدای جدید تلاش کند. به‌همین‌دلیل، تاثیر موسیقی بر روی مغز انسان به بهبود قدرت خلاقیت کمک می‌کند.

۳. به یادآوری خاطره‌های فراموش‌شده کمک می‌کند

تجربه نشان داده است که فعال شدن مغز به‌واسطه گوش دادن به موسیقی، روی یادآوری لحظات گذشته بسیار موثر است. پس گاهی باید به‌سراغ آهنگ‌های قدیمی رفت.

۴. به ساماندهی توانایی‌های مغز کمک می‌کند

با آرام شدن و کاهش استرس مغز و بدن، زمینه بهبود قدرت تمرکز و حافظه فراهم می‌شود. از نظر محققان، گوش دادن به موسیقی به روشن شدن بخش‌های خاصی از قشر مغز کمک می‌کند که به‌نوبه خود تأثیر مستقیمی بر عملکرد شناختی دارند.

شاید به‌همین‌دلیل است که نوازندگان اغلب حافظه بهتری نسبت به دیگران دارند. از این تاثیر موسیقی بر مغز کودکان یا تاثیر موسیقی بر مغز جنین در دوران بارداری، می‌توانید نهایت استفاده را ببرید.

توصیه می‌کنیم که برای بهره‌مندی از اثر موسیقی بر مغز حافظه، به نحوه واکنش خود به اشکال مختلف موسیقی توجه کنید و نوع مناسب خود را انتخاب کنید. زیرا آهنگی که به یک نفر کمک می‌کند تا تمرکز کند ممکن است حواس دیگری را پرت کند و ملودی که به یک نفر کمک می‌کند تا آرام شود ممکن است باعث بروز خشم فرد دیگری شود.

۵. به افزایش شادی جسم و ذهن کمک می‌کند

یکی از مهم‌ترین تاثیرات موسیقی بر مغز، افزایش ترشح هورمون‌های شادی و احساس خوشایند ناشی از آن است. وقتی به موسیقی شاد گوش می‌دهید، راحت‌تر می‌توانید روحیه خود را بالا ببرید. پس برای مدیریت خلق‌وخو و کاهش احتمال ابتلا به مشکلات قلبی مانند فشار خون بالا، موسیقی می‌تواند به‌عنوان وسیله‌ای عالی عمل کند.

جالب است بدانید که حتی زمانی‌که غمگین هستید، گوش دادن به موسیقی غمگین می‌تواند روحیه شما را بالا ببرد و احساس التیام‌آوری در شما ایجاد کند.

اثرات منفی موسیقی بر مغز انسان

در ادامه به چند مورد از نشانه‌های منفی اثر موسیقی بر ذهن اشاره خواهیم کرد.

۱. موسیقی غمگین می‌تواند باعث اضطراب شود

اغلب افراد در زمان ناراحتی به موسیقی غمگین گوش می‌دهند. اگرچه گوش دادن به این نوع موسیقی تاحدودی می‌تواند شما را آرام کند، اما گوش دادن بیش‌ازحد به آن می‌تواند باعث بروز اضطراب و ناراحتی در ذهن شود. زیرا موسیقی غمگین نمی‌تواند ذهن شما را از چیزی که آزار می‌دهد منحرف کند و در نهایت مجبور هستید عمیق‌تر به آن فکر کنید.

به هر حال افراط در همه چیز بد است. اگر تمایل به گوش دادن به موسیقی برای ساعات طولانی را دارید، سعی کنید به آهنگ‌های بدون کلام و آرامش‌بخش گوش کنید.

۲.ممکن است باعث حواس‌پرتی ذهن شود

یکی از معایب گوش دادن به موسیقی این است که صدای بلند آن می‌تواند مانع از تمرکز ذهن شود و حتی باعث آسیب به ساختار گوش شود. تجربه نشان داده است که انجام چند کار دشوار است، به‌خصوص اگر موسیقی بسیار بلندی در پس‌زمینه پخش شود. اغلب تاثیر موسیقی راک بر مغز بدین‌شکل است. درحالی‌که یک موسیقی آرام‌بخش می‌تواند به تقویت خلاقیت شما کمک کند.

چگونه تنظیم آهنگ را یاد بگیریم؟

چگونه تنظیم آهنگ را یاد بگیریم؟

تنظیم کننده آهنگ (Music Arranger) کسی است که برای رسیدن به یک هدف خاص یا برای دستیابی به تاثیر خاصی، عناصر هارمونیک موسیقی یعنی تمپو، ساز، آواز و ارکستراسیون را کنار هم می چیند تا یک قطعه موسیقی ساخته شود. کلاس آموزش آواز سنتی در غرب تهران می شود گفت که تنظیم آهنگ چیزی بین ترانه سرایی و آهنگسازی است.

تنظیم کننده موسیقی می تواند برای تنظیم آهنگ از یک ترکیب اصلی استفاده کند یا اینکه تنظیم های جدیدی بسازد تا قطعات موسیقی موجود را با ژانرها و سبکهای مختلف تظبیق بدهد. وجود تنظیم کنندگان آهنگ برای موسیقی کلاسیک و آهنگهایی که نواختنشان به تعداد زیادی نوازنده نیاز دارد، ضروری است، چون تنظیم کننده نقش مهمی در تصمیم گیری برای اینکه کدام ساز باید کدام قطعه را بنوازد ایفا می کند.

تنظیم کننده ها کار بازنویسی آهنگهای معروف را هم انجام می دهند؛ به عنوان مثال ممکن است یک تنظیم کننده با گروهی همکاری کند تا بتوانند تا یک قطعه استودیویی را برای اجرای زنده بازسازی کنند. اکثر اوقات تنظیم کننده ها خودشان نوازنده های حرفه هم هستند.

برای خرید دانلود پکیج آموزش خوانندگی کلیک کنید.

تنظیم کننده آهنگ چه کار می کند؟

وظیفه تنظیم کننده های آهنگ به حوزه تخصصی و پروژه ای که روی آن کار می کنند بستگی دارد؛ مثلا ممکن است کار یک تنظیم کننده همکاری با تهیه کنندگان موسیقی باشد تا بتوانند برای هنرمندان جدید در صنعت موسیقی، آهنگ پاپ بسازند. اکثر تنظیم کننده ها نقش رابط بین کارگردان موسیقی و آهنگساز با کوارتت زهی (string quartet) یا ارکستر را ایفا می کنند. به عنوان مثال، تنظیم کننده ها قطعه ای از موسیقی کلاسیک را برای کنسرت یا اجرای استودیویی بازسازی می کنند یا پیشنهاد می کنند که به یک آهنگ راک سازهای زهی اضافه شود.

تنظیم کننده ها در زمینه ساخت موسیقی فیلم و تئاترهای موزیکال نیز فعالیت دارند و با آهنگسازها در آماده کردن موسیقی یک فیلم برای اجرای آن در ارکستر یا بازسازی آهنگهای پاپ فعلی برای یک برنامه تلویزیونی هم همکاری می کنند. آموزش آنلاین آواز سنتی

5 تا از معروفترین تنظیم کننده های آهنگ دنیا

با اینکه تنظیم کنندگان آهنگ به اندازه ستاره های پاپ یا حتی تهیه کننده های موسیقی مشهور نیستند؛ اما وجودشان برای ساخت آهنگ ضروری است. ما اینجا به چند مورد از معروفترین تنظیم کننده های جهان اشاره می کنیم.

1- مری لو ویلیامز (Mary Lou Williams) (1910-1981): مری لو ویلیامز ترانه سرای مشهور و همینطور یکی از برجسته ترین تنظیم کننده های موسیقی جاز در زمان خودش بود که با افراد مشهوری مثل دوک الینگتون (Duke Ellington) و کب کلووی (Cab Calloway) کار می کرد.

2- تیتو پوئنته (Tito Puent) (1923–2000): تیتو پوئنته اسطوره موسیقی لاتین بود که کار تنظیم آهنگهای گروه خودش (از جمله بخش ریتم تاریخی آن) و همچنین تنظیم آهنگهای اسطوره های جاز مثل دیزی گیلسپی (Dizzy Gillespie) را در کارنامه اش دارد.

3- هنری مانچینی (Henry Mancini) (1924-1994): با اینکه هنری مانچینی بیشتر به خاطر ساخت موسیقی فراموش نشدنی “پلنگ صورتی” (The Pink Panther Theme) مشهور است، اما باید این را هم بدانید که مانچینی چندین دهه به عنوان تنظیم کننده موسیقی فیلمها در هالیوود کار کرد و آثار مختلفی از خودش بر جای گذاشته است.

4- جورج مارتین (George Martin) (1926-2016): جورج مارتین که اکثرا با نام “بیتل پنجم” (fifth Beatle) شناخته می شود، توانست با تنظیم چند مورد از ماندگارترین و معروفترین آهنگها برای گروه بیتلز (Beatles) و از جمله آهنگ معروف “Eleanor Rigby”، نام خود را در فهرست معروفترین تنظیم کننده ها ثبت کند.

5- کوئینسی جونز (Quincy Jones) (متولد 1933): احتمالا اسم کوئینسی جونز به عنوان نوازنده و تهیه کننده بزرگ موسیقی به گوشتان خورده؛ اما بد نیست بدانید که جونز یک تنظیم کننده زبردست و ماهر هم محسوب می شود که سابقه همکاری با هنرمندان مختلفی مثل مایکل جکسون (Michael Jackson)، آرتا فرانکلین (Aretha Franklin) و فرانک سیناترا (Frank Sinatra) را در کارنامه هنری خود دارد.

 چطور تنظیم کننده آهنگ شویم؟

درست مثل خیلی از حرفه های دیگر مرتبط با موسیقی، تنظیم کننده آهنگ شدن هم چیزی نیست که یک شبه اتفاق بیفتد یا مسیر مستقیمی برای آن وجود داشته باشد. خیلی از کسانی که الان به یک تنظیم کننده ماهر تبدیل شده اند، سالها فقط به کسب تجربه و تقویت مهارتهایشان مشغول بوده اند. با این حال ما اینجا نکات کلی که می توانند به شما در این مسیر کمک کنند را در اختیارتان می گذاریم.

1- درباره تئوری موسیقی و نت نویسی اطلاعات کسب کنید: برای اینکه به یک تنظیم کننده خوب تبدیل شوید باید سواد و دانش خودتان در حوزه موسیقی را بالا ببرید. شما باید با تئوری موسیقی و نت نویسی آشنایی داشته باشید و نحوه خواندن و نوشتن نتها در موسیقی را بدانید. علاوه بر این شما باید با موسیقی رایج فعلی همراه باشید، تاریخ موسیقی را بدانید تا بتوانید در ژانرهای مختلف موسیقی کار کنید.

2- روی تقویت مهارتهایتان کار کنید: برای اینکه تنظیم کننده ماهری باشید نیاز نیست حتما با نحوه نواختن تمام سازها آشنایی داشته باشید، ولی این را هم بدانید که اکثر تنظیم کننده ها می توانند سازهای زیادی بنوازند. شما به عنوان یک تنظیم کننده هم باید تنظیم کردن آهنگ را بلد باشید و هم بدانید که آن آهنگ با ساز مخصوصش چطور نواخته می شود.

3- روی یک زمینه خاص متمرکز شوید: تنظیم کننده ها می توانند در چند زمینه مختلف کار کنند، اما برای کسانی که تازه قدم در این مسیر گذاشته اند بهتر است که در یک زمینه کار کنند تا جایگاهشان تثبیت شود. به کار مورد علاقه تان فکر کنید و ببینید چه چیزی را بیشتر از همه دوست دارید. مثلا ممکن است اجرای قطعات کلاسیک، ضبط آهنگهای معروف، تئاتر موزیکال و یا موسیقی فیلم یا سریال از بقیه زمینه ها بیشتر مورد پسندتان باشد. بعد از مشخص کردن حرفه مورد علاقه تان، دنبال فرصتهای شغلی در آن زمینه بگردید.

4- با افراد مرتبط آشنا شوید: وقتی از مهارتهایتان به عنوان یک تنظیم کننده مطمئن شدید، وقت آن می رسد که با افرادی که در این زمینه فعالیت می کنند ارتباط برقرار کنید. یکی از مکانهای عالی برای آشنایی با کسانی که در حوزه موسیقی فعالیت می کنند آموزشگاههای موسیقی است. علاوه بر این می توانید با تنظیم کننده هایی که می شناسید تماس بگیرید و با آنها در ارتباط باشید. یکی دیگر از روشهای خوب برای ملاقات با افراد و کسب اطلاعات بیشتر درباره تنظیم کنندگی آهنگ، اجرای موسیقی زنده یا کار کردن به عنوان نوازنده است. به این ترتیب شانستان برای ارتباط با افرادی که می توانند شما را به اهدافتان برسانند، بیشتر می شود.

Top